Wilco, 26/09/2010, Laeiszhalle Hamburg

Spaß am schönen Krach. 

Wilco. Sitzplatzkonzert. In der Laeiszhalle zu Hamburg. Klar doch. Wilco sind ja auch keine Rockband, will man sagen. Aber da ist man gleich zweifach auf dem Holzweg. Denn erstens sind die Jungs aus Chicago live um Einiges lauter, als die Platten so vermuten lassen, weshalb das hier durchaus ein Rock-Konzert ist. Und trotzdem passt diese Art Rock ganz vorzüglich an den mit Stuck, Gold und Kirchenorgel ausgestatteten Veranstaltungsort. Denn Rockstars sind Wilco nun mal wirklich nicht.

Selbst wenn man die Promo-Shots auf ein paar Kilometer Abstand betrachtet, sehen Wilco immer noch wie die schlimmsten Nerds aus. Jeff Tweedys Universum dreht sich offensichtlich um wertvolles Equipment und anspruchsvolle Musik, nicht um Bügeleisen oder Trendfrisuren. Darum ist auch jeder Auftritt dieser Band so glamourös wie ein Kegelabend. Aber im vorliegenden Fall soll das vermutlich sogar ganz genau so sein. Denn bei Wilco geht es um Musik, sonst nichts. Weshalb der leichte Hauch von Trockeneisnebel fasst etwas unpassend wirkt, als die Band pünktlich um 21.00 Uhr auf ihren Arbeitsplatz schlurft. Und spätestens nach den ersten Noten will ich nirgendwo anders sein, als jetzt hier auf diesem Holzsitz mit dem tiefroten Samtbezug. 

Es gibt sicher findige Manager auf dieser Welt, die ihren Schützlingen einen so sanften und langsamen Opener wie Sunken Treasure strikt verbieten würden. Wilco erlauben sich obendrein, den Song mit komischem Geklöter zu unterlegen, der einen zunächst an massive Soundprobleme glauben lässt. Aber hier sitzt kein Kabel locker und es sind keine Lautsprecher durchgebrannt. Diese Band besitzt bloß neben der Gabe makellose Musik hervorzubringen, eine unbändige Lust am Krach. Via Chicago, Ashes of American Flags oder One Wing sind allesamt Musikstücke, die auf den Tonträgern einigermaßen ruhig und melodieselig daherkommen und höchstens durch ein paar leichte Störeffekte aufhorchen lassen. Leibhaftig haben Wilco einen Heidenspaß dabei, diese Akzente etwas mehr zu betonen. Die ehrwürdige Innenfassade der Laeiszhalle hat jedenfalls selten so gezittert. Der Typ neben mir hält sich die Ohren zu, als sich I am trying to break your heart in ein brutales Crescendo schraubt, Nels Cline offensichtlich versucht, die Saiten seiner Fender Jaguar zu zerhacken und Glenn Kotche in einer Art auf sein Drum-Set eindrischt, als würde er morgen sowieso auf Blockflöte umsteigen wollen. Aber selbst, wenn das die Ohren der Flasche neben mir nicht ertragen: dieser Lärm ist so berauschend schön, dass es einzelne Menschen im Publikum immer wieder von den Sitzen reißt. Man muss eben wissen, worauf man sich einlässt – alle Wilco-Tonträger zu besitzen, bedeutet noch lange nicht, dass man diese Truppe wirklich kennt. Da tut sich schließlich auch die Musikindustrie etwas schwer. "Alternative-Country" ist das hier jedenfalls nicht. 

Hate it here wird zum Triumphzug (mitgesungener Refrain!). Bei Impossible Germany fiebert man dem Gitarren-Solo entgegen und wird mit atemberaubender Kunst entlohnt. Höchstens ein paar ambitionierte Hobby-Gitarristen wünschen sich in jenen 3 oder 4 Minuten vermutlich, Nels Cline die Finger mit einer rostigen Gartenschere abzutrennen. Jeff Tweedy bleibt wie gewohnt recht lange still, sagt erst nach einer knappen Stunde Hallo und erkundigt sich brav nach dem Befinden des Publikums. Nach und nach wacht er allerdings immer mehr auf und fragt sogar, ob jemand mal aufs Klo möchte. Ein zaghaftes »Ja« aus dem Auditorium. »No problem, just go, we'll wait for you.« Natürlich entscheidet sich die entsprechende Person anders, aber für einen Moment fühlt man sich verdammt wohl in dem Wissen, dass es möglicherweise nur eine professionelle Combo auf diesem Planeten gibt, die sich wirklich auf solche Sachen einlassen würde. Der Gedanke dass das so ist, wird wohl – neben der offensichtlichen Spielfreude dieser Band – auch dafür verantwortlich sein, dass Wilco von ihrem Publikum nicht nur gemocht und gefeiert, sondern tatsächlich geliebt werden. Liebe, die aber auch erwidert wird, selbst wenn der Titelsong des aktuellen Albums heute Abend nicht ins Programm findet. »Is someone twisting a knife in your back? Are you being attacked? This is a fact that you need to know: Wilco will love you, baby.«

Danke. Ich euch auch. 

Bryan Ferry · You Can Dance

»Wie immer?« »Aber gern!«

Irgendein Magazin, ich weiß nicht mehr welches, hat mal in gedruckter Form die Frage aufgeworfen, ob Bryan Ferry nun eigentlich der größte Idiot oder aber doch das größte Genie der Popmusik sei. Die Antwort liegt beim Leser selbst und vermutlich irgendwo dazwischen. Sicher ist dagegen jedenfalls, dass man bei Bryan Ferry – trotz schräger Ausflüge – unterm Strich eigentlich immer das bekommt, was man erwartet. Sowohl musikalisch, als auch lecker visuell. Und so viel Beständigkeit über die Jahrzehnte hinweg macht Freude, gibt Sicherheit, erhebt nostalgisch wie zeitgemäß den Moment. 

Sie meinen, ich wäre so einfach gestrickt, dass ich angesichts einiger luftig bekleideter Damen, die zu elektronischem Neo-Bossa-Rock im Goldfilter auf Zeitlupe und High-Heels Haut zeigen, gleich komplett aus dem Häuschen wäre? Aber klar doch! 22. Oktober: »Olympia«. Das neue Album von Bryan Ferry. Ich freu mich drauf.  

Lloyd Cole · Broken Record

Erstklassiges vom ewigen Zweiten.

Fast 25 Jahre ist es her, dass Lloyd Cole – damals noch mit seiner Begleitband „The Commotions“ – in Hannover auftrat. Mit „Easy Pieces“ war damals das zweite Album des Schotten erschienen und trotz fabelhafter Live-Adaptionen von „Forest Fire“ oder „Brand New Friend“ gingen während des Auftritts einige Menschen in der Mittagssonne lieber Bier holen oder fortbringen. Man muss natürlich erwähnen, dass Lloyd Cole damals u.A. neben musikalischen Zweitagsfliegen wie Katrina & The Waves als Stimmungsmacher für BAP fungieren musste. Ohne veritablen Chart-Hit im Gepäck stand man bei einem Ereignis dieser Art 1986 mit ziemlich kurzen Hosen da. Aus heutiger Sicht könnte man es sich leicht machen und sagen, der weitere Karriereverlauf Lloyd Coles hätte mit jenem Sommertag im Sportpark eine Menge gemein. Alles andere als ein Promoter in eigener Sache, wurde Lloyd Cole nach der Trennung von den Commotions und der Übersiedelung auf die andere Seite des Atlantiks eher zum Überlebenskünstler, als zum Star. Der ewige Zweite des Wettbewerbs ging seinen Weg völlig unbeirrt von den Strömungen der Zeit, veröffentlichte in regelmäßigen Abständen tolle Platten, war nie wirklich präsent, aber immer da. So wie einer dieser Läden, die man an Strandpromenaden findet und in denen es auch 30 Jahre nach der eigenen Kindheit unverändert nach Sonnencreme, Schwimmflügeln und Süßigkeiten duftet. Das große Publikum hat Lloyd Cole niemals erreicht. Dafür aber eine kleine, eingeschworene Fangemeinde um sich geschart, die ihm seit Anbeginn der Laufbahn die Treue hält.

Von eben dieser Community ließ sich Lloyd Cole in Ermangelung eines Major-Deals das neue Werk per Website-Aufruf vorfinanzieren. Plus Eigenleistung und Finanzspritzen durch mehrere kleinere Labels in den jeweiligen Ländern, konnte „Broken Record“ schließlich erscheinen. Nicht auszudenken, hätte diese Strategie des blinden Vertrauens in den Künstler versagt – schließlich ist auch das zehnte Soloalbum des ehemaligen Philosophie-Studenten erneut wunderbar geraten.

Wie ein pechschwarzer Faden durchzieht ein unverwechselbares Merkmal das Gesamtwerk von Lloyd Cole und auch auf „Broken Record“ werden bittere Wahrheiten in manchmal durchaus fröhlichen Melodien verpackt. Neu in seiner an musikalischen Facetten durchaus reichen Charakteristik sind lediglich die Country-Anleihen, die schon den Titelsong mit Pedal-Steel und Banjo bereichern. Ein Stück wie „Writers Retreat“, zu dem sogar ein Musikvideo erschien, wäre früher viril und ungestüm von Gitarren geleitet worden – in dieser Dekade lässt Cole eine Mandoline diesen Job erledigen. Überhaupt wird bei den 11 neuen und relativ kurzen Songs größtenteils auf drängende Hooklines oder schnelle Kehrtwenden verzichtet, was dem gesamten Album eine überaus entspannte Atmosphäre verleiht. „If I were A Song“ schunkelt mit Nashville-Insignien daher, „That’s Alright“ könnte man fast als Rock bezeichnen, hätte Lloyd Cole nicht diese eine Musikrichtung stets mit einigen Metern Abstand betrachtet und auf seine ureigene Weise interpretiert.

Wie zeitlos die Kunst dieses Mannes ist, offenbaren vor allem Songs wie „Oh Genevieve“ oder „Double Happiness“, die mit marginal veränderten Arrangements genauso gut aus dem Jahr 1986 stammen könnten. Dabei kopiert sich Lloyd Cole keinesfalls selbst, sondern folgt einfach unbeirrt seinem Weg, der ihn wie seit Anbeginn sicher an den Volten musikalischer Kurzlebigkeit vorbei durch sicheres Fahrwasser geleitet. Die Stationen die er dabei macht, werden auch in Zukunft das sein, was sie immer waren. Wirklich wertvoll.

Richard Ashcroft · RPA And The United Nations Of Sound

Der Verve-Frontmann in zweifelhafter Gesellschaft.

Wäre man schelmisch veranlagt, man könnte sich allerhand ulkige Assoziationen zum neuen Alter Ego Richard Ashcrofts ausdenken. Man könnte behaupten, dass bei den Vereinten Nationen größtenteils Politiker beschäftigt sind, die die Kreativität auch nicht unbedingt gepachtet haben. Oder anmerken, dass Sound alles Mögliche sein kann, aber nicht zwangsläufig Musik sein muss. Auch, dass Ashcroft sich auf dem Cover RPA nennt, also einen jener abgekürzten Zweitvornamen (Paul) verwendet, macht die ganze Sache nicht besser, denn sowas denken sich höchstens Sparkassenkaufleute aus, denen der Doktortitel fehlt.

Warum Richard Ashcroft mit aller Macht so tut, als hätte er eine neue Band, ist kaum zu ergründen. Es wäre sogar unerheblich, könnte man sich einfach über ein weiteres, tolles Album von ihm freuen. Nachdem man „United Nations Of Sound“ zweimal gehört hat, starrt man aber leider noch immer einigermaßen ergebnislos auf die Plattenhülle und fragt sich, was der Quatsch nun eigentlich soll. Das lange vorab veröffentlichte „Are You Ready“ ging mit einem merkwürdigen Video einher, in dem es ums Boxen, Beten und Bereitsein für was auch immer ging. Schon da drängelte sich der Sound(!) zu Ungunsten der Melodie in den Vordergrund und das setzt sich in den weiteren Songs des Albums nun verhängnisvoll fort. „Born Again“ kann man wohl nur wirklich klasse finden, wenn Ashcroft leibhaftig vor einem auf der Bühne steht – visuell ungestützt denkt man eher an den letzten Urlaub und die Animateure auf Teneriffa.

Natürlich hat der Mann das Schreiben von wunderbaren Melodien keinesfalls verlernt, aber seine neue Combo spuckt ihm gemeinsam mit dem Hip-Hop Produzenten No-ID ganz gewaltig in die Suppe. Das fällt besonders bei „This Thing Called Life“, „She Brings Me The Music“ und „Let My Soul Rest“ auf, die allesamt toll gemeint, aber in der Ausführung mit – nun ja – Sound zugekleistert wurden. Den Bombast hat man Richard Ashcroft früher immer gern und leicht verziehen, denn das hypnotische Piano bei „Cry Til The Morning“ oder der Streichereinsatz von „A Song For The Lovers“ waren derart makellos, dass der eine oder andere Ton zuviel vollkommen nebensächlich wurde. Das ist auf „United Nations“ leider anders.

Irgendwie kann man sich beim ersten Album nach den nunmehr zum zweiten Mal verpufften The Verve den Gedanken nicht verkneifen, dass sich Richard Ashcroft gerade mit einer mittelschweren Sinnkrise herumprügelt. Keine Ahnung, was dem gerade fehlt, aber vielleicht wäre eine Auszeit auf den Bahamas besser gewesen, als diese Platte. Bei Ausnahmekünstlern lohnt es sich allerdings, auch in miesen Zeiten dranzubleiben, abzuwarten, Tee zu trinken. Apropos Tee: Gute Besserung.

Tired Pony · The Place We Ran From

Americana für Anfänger.

Es gibt Ankündigungen, vor denen hat man als von Musik begeisterter Mensch glattweg Angst. Die Kollaboration bei Tired Pony versprach zumindest im Vorfeld nicht unbedingt Gutes: Gary Lightbody, seines Zeichens Sänger der von Krankenhausserien gern zitierten Snow Patrol, wollte gemeinsam mit einigen prominenten Vertretern der Zunft ein »von seiner Liebe zu Wilco« inspiriertes Album in die Läden bringen. Da beschleicht einen schon ein irgendwie ungutes Gefühl, auch wenn der Cover-Aufkleber die Teilnahme durchaus honoriger Persönlichkeiten verkündet: Peter Buck von REM, Belle & Sebastian-Drummer Richard Colburn, Tom Smith von den Mädchenflüsterern The Editors, Produzent Jacknife Lee und einige mehr. Aber wenn dann der Opener des Albums auch noch „Northwestern Skies“ heißt, wird die Befürchtung, dass sich die Protagonisten möglicherweise schwer verheben könnten, doch größer als die Vorfreude. Die Klischee-Warnlampe blinkt und man fragt sich unweigerlich, wie dieser Betriebsausflug ins Alternative-Country-Land denn wohl aussehen mag. Wie Coldplay mit Sheriffstern?

Dann aber doch Entwarnung und sogar eine kleine Überraschung: die 10 Songs auf „The Place We Ran From“ sind erwartungsgemäß versiert hervorgebracht, klingen aber dabei erstaunlich lässig. Natürlich dockt die Stimme von Lightbody an die gleichen, gewohnten Synapsen an und es fällt natürlich auch nicht leicht, beim Hören der ersten Zeilen des Openers zu vergessen, dass der Frontmann sein Zuhause im Formatradio hat. Insofern ist „The Place We Ran From“ anfangs anstrengend, wenngleich die Musik selbst durchaus fließend und souverän daherkommt. „Get on the Road“ besitzt eine hübsche Coda mit Stoner-Rock-Anleihen, „Point Me At Lost Islands“ gefällt mit Gitarren, Mandolinen und Fiedel in Saloon-Atmosphäre und „That Silver Necklace“ mit einem verschleppten Schlagzeug. Spätestens dann hat man auch Grey’s Anatomy fast vergessen.

Klar: „Held In Your Arm Of Your Words“ könnte auch Gary Lightbodys üblicher Kostenstelle entstammen, „Dead American Writers“ fällt nach wenigen Sekunden als charttauglich auf und das von Iain Archer gesungene „I Am A Landslide“ klingt etwas bemüht. Aber durchaus schön und weniger nach Wilco, als nach Mike Oldfield. Kann man ja auch mal machen. Insgesamt spürt man bei Tired Pony durchaus die Inspiration, auch wenn sie sich nicht in jedem Song offenbart und es werden in Zukunft möglicherweise ganze Jahre vergehen, in denen man „The Place We Ran From“ nicht auflegen wird. Aber wer weiß – vielleicht verliebt sich der eine oder andere Mensch zufälligerweise zu den Klängen von „The Good Book“ oder „The Deepest Ocean There Is“ und behält Tired Pony in steter, ja ewiger Erinnerung. Mehr kann man von Musik sowieso kaum erwarten. Solide Arbeit. Mission accomplished.

The Verve · Fourth

Gwyneth findet's auch gut.

(Tuuuuut. Tuuuuut.)

RA: Ashcroft?

CM: Chris Martin hier. Hallo Richard!

RA: Tag! Oder isses bei euch Nacht? Ich bin gerade im Urlaub. Vom Tourstress erholen. Verdammte Comeback-Tour.

CM: Ich wollte nur Glückwunsch zum neuen Album sagen!

RA: Ach ja. Ist ja heute erschienen. Hatte ich ganz vergessen. Danke, Mann. (Gähnt) Sorry, hab gerade meine Einschlafpillen genommen und bin müde. Die Kinder sind auch endlich still. Gefällt dir die Platte denn?

CM: Schon toll. Wirklich. Jetzt haben wir doch tatsächlich beide gleichzeitig die vierte Scheibe auf dem Markt.

RA: Ja, lustig was?

CM: Geht echt ganz schön laut und krachig los bei euch. Da dachte ich erst... na ja. Aber auf RATHER BE bin ich echt neidisch. Mit drei läppischen Akkorden einen so schönen Song zu basteln. Klingt sehr nach dir. Also solo mein ich.

RA: Ist ja auch von mir. (Gähnt wieder) Entschuldigung.

CM: Na und JUDAS könnte auch von uns kommen. Finde ich.

RA: Wenn du so singen würdest, wie ich.

CM: Haha! Tja... (kurze Stille) I SEE HOUSES ist auch echt klasse. So einfach und doch so wunderbar harmonisch. Ich hab auch ein wenig geweint dabei. (Schnieft kurz) Ihr habt auch alles so toll laut aufgenommen! Das ist der Breitwand-Sound, den ich auch immer haben will. Nur bei euch klappt das irgendwie besser. Bei Coldplay fieselt das immer so auseinander.

RA: Musst du einfach nur die Regler aufdrehen. Dann haut das auch hin.

CM: Ist aber nicht das Gleiche! Nee! Ich weiß auch nicht, was bei uns da immer schief... Übrigens geht euer LOVE IS NOISE bestimmt in die Charts, das wette ich! Ist ja auch eins von den kurzen Stücken. Mann, habt ihr da lange Tracks auf dem Album. Ich bin da meistens ein wenig ängstlich, dass den Leuten nach 3 Minuten langweilig wird.

RA: Kommt auf die Lieder an.

CM: Genau! Genau das sag ich ja auch immer. Aber die hören nicht auf mich. Du haust bei The Verve wohl einfach auf den Tisch was? Haha!

RA: Meistens. Einer muss ja der Boss sein.

CM: Stimmt. Ach vielleicht hätten wir auf Brian Eno doch verzichten sollen. Der hatte bei den Aufnahmen die ganze Zeit ein U2 T-Shirt an und faselte immer was von Stadion-Rock, großer Geste und so. Hat andauernd flüsternd mit Bono telefoniert, so komisch gelacht und immer aufgelegt, wenn ich dazu kam. Ich war schon total verunsichert. Produzenten... Ihr habt das ja alles selber gemacht.

RA: Klar. Ich brauch da auch keinen.

CM: Logisch, logisch. Ich mein nur... ach... naja. VALIUM SKIES finde ich auch hervorragend! Total! Ehrlich, ich sag das nicht bloß so! Und nach APPALACHIAN SPRINGS war ich für eine Stunde nicht mehr ansprechbar. Also eigentlich... um ehrlich zu sein... wollte ich ja genau die Platte machen, die ihr jetzt gemacht habt.

RA: Wenn du so singen würdest, wie ich.

CM: Richtig. Haha! Das hab ich jetzt verstanden! Du bist mir vielleicht einer... Na ist ja auch egal jetzt. Ich wollte dir nur sagen, dass ich FOURTH wirklich toll finde. Ich fand euch ja schon immer super.

RA: Das ist sehr nett von dir.

CM: Nicht der Rede wert. Echt. Leg dich mal wieder hin.

RA: Ja, mach ich. Gwyn geht's gut?

CM: Ja, alles bestens. Danke. Danke der Nachfrage. Ich soll auch schön grüßen. Ganz herzlich. Hat sie extra betont.

RA: Fein. Dann machs mal gut. (legt auf)

CM: Du auch! Tschüss! Tschüss Richard!

Justin Currie · What Is Love For

Schmerz mit Schleife.

Selbst die heiterste Witzpille wird von Justin Curries erstem Solowerk kaum etwas anderes erwartet haben, als eine Ansammlung überbordenden Herzschmerzes. Del Amitri haben es einem schließlich früher auch nie leicht gemacht. Und obwohl es dem vormaligen Frontmann der herbstlichsten aller Herbst-Bands während seiner bisherigen Schaffensperiode wohl nicht für eine Minute daran lag, landläufigen Erwartungen zu entsprechen, liegt mit What is love for nun genau das vor, was der Titel des Albums verspricht. Gelegenheits-Melancholiker, Quartals-Zyniker und vermutlich eine ganze Menge Mädchen werden aufatmen. Denn alle, die befürchtet haben, dass sich Currie musikalisch vom Del Amitri Fundament entfernt und plötzlich den Experimentalisten oder gar den Rocker heraushängen lässt, dürfen beruhigt seufzen und sich zwischen welkenden Schnittblumen ein weiteres Mal in Musik gewordenem Liebeskummer winden. Der einen allerdings so wunderschön und tröstlich umfängt, wie man es von den Schotten über Jahre hinweg gewohnt war.

What is love for ist eine Soloplatte und gleichzeitig auch wieder nicht. Nachdem Del Amitri 2002 von ihrer Plattenfirma schnöde fallen gelassen wurden, wird nun dem aufmerksamen Credits-Leser nicht entgehen, dass Iain Harvie einen Teil der Stücke arrangiert hat. Die Mitarbeit des besten Bandkumpels aus alten Zeiten betrachtend, ist es kaum verwunderlich, dass es sich bei diesen Songs um das gefühlige Sediment aller Del Amitri Alben handelt. Überdrehte Happy-Songs sucht man vergeblich, stimmungshebende E-Gitarren sind allzu spärlich gesät. Justin Currie, der immer noch singt wie der Prinz der Beladenen und der Gott aller aus Gram gefüllten Gläser, konzentriert sich vorrangig auf seine Stimme neben Arrangements mit Harfen, Mandolinen, Piano und Streichern. Das Schlagzeug setzt erst gegen Ende des zweiten Stückes verhalten ein.

Wo man auch hinhört, präsentieren sich auf What is love for bittere Einsichten. Das Titelstück endet nach der Allgemeinbetrachtung aller Fallstricke der Liebe als persönliches, disparates Gefühl: What do I do with love I can’t use for her anymore? Where do I put this beautiful suit another man wore? Zwischen den Zeilen von Not so sentimental now ist das Herz schon längst gebrochen und Currie fegt, wissend dass geschlagene Wunden vernarben, in aller Ruhe ein paar Scherben zusammen. Something in that mess und besonders If I ever loved you erstrahlen im Abglanz einer nicht für die Ewigkeit bestimmten Beziehung. Only Love tröstet mit Mandolinen und Streichern über die Erkenntnis hinweg, dass der bevorstehende Tod gegenüber Liebeskummer doch nur ein Waldspaziergang ist.

Ohnehin weiß Justin Currie nur zu gut, dass bestimmte Worte in bestimmten Situationen mehr grausames Potential in sich tragen, als eine Horde Erstklässler. Und wäre die brutale Wahrheit dieser Platte nicht in so viel heilendem Balsam instrumentiert, hätte man vermutlich mit einem entsprechenden Hinweis auf dem Cover davor warnen müssen, dass suizidal veranlagte Menschen die Finger von What is love for lassen sollten. Erst am Schluss lenkt Currie vom höchstpersönlich empfundenen Schmerz ab und betrachtet das Universum der modernen Welt in No surrender. Auf durchaus resignative Weise versteht sich und Vergleiche mit den Anfängen der Del’s bei Nothing ever happens kommen nicht von ungefähr. Nach dem Verhallen von What is love for bleibt dennoch das Wissen darum, dass es angesichts der nächsten seelischen Notlage wenigstens einen Menschen geben wird, der verstehend nickt und wortlos das Gästebett bezieht. Eine Harmonie gewordene Erkenntnis, dass das Herz zwar zerreißen, aber möglicherweise durchaus gesunden kann. Regenerationsfähigkeit in Noten. Musik mit Heilwirkung. Gibt's demnächst vielleicht auf Rezept.